Trip hop para trepar como la «Hiedra»: Amanitas estrena nuevo single y anuncia show en El Clan

Compuesto de manera colectiva, el segundo adelanto del EP que las trae de regreso como banda, nos muestra la otra cara que desarrollará la entrega. Con dos nuevas canciones en el repertorio, e inédita formación, el quinteto se prepara para volver a un querido escenario el viernes 13 de diciembre.

Aferrarse como las hojas, seguir el curso a pesar de los miedos y las dificultades. El regreso de Loudy, Jose, Cote, Manul y Miausicat ya revela el otro lado del círculo. Luego de mostrarnos la media esfera brillante y espacial en ‘Todo es circular’, ahora completamos el círculo con ‘Hiedra’, un sencillo que alude al trip hop de bandas como Portishead y Smoke City, con samples, scratchs, y baterías profundas y grooveras. 

«Salió de una junta musical nocturna entre Pau y Lou. Entre trasnoche y complicidad, crearon melodías y llegaron a un ensayo con la idea que nos encantó. De forma colectiva, desarrollamos la instrumentación, la idea del concepto y la letra. Es una nueva forma de crear para la banda», dice Amanitas sobre el proceso que da con el pujante estreno.

¿Quién no se ha sentido como Richard Ashcroft, contra la corriente, caminando por la calle repleta? Como una fuerza que acompaña la constante escalada que es vivir, ‘Hiedra’ busca transmitir fuerza y coraje para seguir adelante, tal como lo hace la naturaleza. «Tiene estrofas íntimas como una confesión telefónica a uno mismo, una reflexión, y coros que se abren como un abrazo a la inmensidad de la cordillera», cuentan indagando en el concepto del venidero EP, que repasará la vida y la muerte como un cara y sello.

«Nos pareció lindo que de alguna forma dialoga con «Anónima», nuestro EP del 2016. Tiene esa vibra inspirada en el trip hop. Habrá un poco más de eso y de rap; también más pop. Nuestro futuro EP es una mezcla y maduración de nuestras últimas búsquedas musicales y una experimentación sonora de todo lo que nos gusta. A veces somos súper dark y a veces muy kawaii, ¿por qué luchar contra ello?», concluyen las artistas

‘Todo es circular’ y ‘Hiedra’ serán parte del setlist que presentarán las chilenas el próximo viernes 13 de diciembre en Bar El Clar, escenario que las vio crecer y que fue su casa por muchos años. No hay mejor lugar para celebrar esta vuelta a las pistas, con un show mixto entre clásicos y las sorpresas nacidas tras el circular paso del tiempo.

Las penurias y glorias de ser latino en «Cielo Falso», el tercer disco de Frucola Frappé

Los chilenos logran capturar su aplaudida esencia en vivo en esta entrega, que viene a cerrar una importante etapa artística y discográfica. Pasar a una adultez resignada, y seguir encontrando colores para darle a la absurda vida, en una placa que suena a contención, burla y confesión, desde el fin del mundo y para toda Latinoamérica.

¿Qué es realmente una boyband?, ¿un concepto vacío de chicos que bailan en honor al pop y el capitalismo o simplemente una banda de chicos retratando la vida a su manera? Por acá nos quedamos con la segunda idea, aunque casi todo tiene dos lecturas.

Bajo esta lógica, es que la agrupación chilena presenta su tercer disco, «Cielo Falso», una entrega que viene a consolidar una trilogía que comenzó hace 7 años con su primer LP. 12 canciones grabadas, producidas y mezcladas por Martín Pérez y los músicos en Estudios Niebla, lanzadas bajo Sello Casata, que se sienten como el fin de una era, pero también como la partida de un brillante trayecto a recorrer para los artistas que toman referencias e inspiraciones de grupos como Los Tres, Primavera de Praga, Blur, Oasis, The Rentals, Pet Shimmers, Big Thief y Pom Poko.

«El concepto, por un lado, es el cielo raso o techo falso que se utiliza en construcciones para separar las habitaciones de la estructura gruesa de un edificio, y que esconde esa estructura que hay detrás y que no se ve: cables, cementos, cañerías y metales. Es también la idea de una eterna promesa, algo que por fuera parece muy bello y pulcro, pero que en realidad no es tan así. Además, hace referencia a lo plástico, a la superficialidad y a esa volcanita que parece tan perfecta pero, en realidad, es muy endeble».

Obras como ‘Continente’, ‘Chileno’, ‘El Apocalipsis’ o ‘El mundo nos trata un poco mal’ cuentan una historia que va de la mano con esa falta promesa: «el hecho de amar, vivir y morir en Latinoamérica, un territorio que muchas veces funciona a medias, pero que al fin y al cabo, es nuestro hogar», dicen sobre la placa que presenta un giro más explosivo y energético, y que funciona como una foto a cómo está sonando Frucola Frappé hoy en día en vivo.

«Las canciones son más directas en su lírica y en la música. Se exploran otros conceptos que antes no eran tan tocados, como la contaminación, la migración, el miedo a la muerte y la mirada irónica que tenemos de nosotros mismos», agregan en uno de sus puntos más logrados hasta hoy, tanto en el estudio como en concierto.

Así, esta boyband del sur del mundo, aletargada de la vida moderna pero llena de un espíritu que sólo en esta parte del mundo entendemos, llega con historias que merecen ser contadas, escuchadas y cantadas. A veces como registro de las falsas promesas que se dan en este territorio, otras como lo que tanto queremos esconder, otras tantas como esos anhelos que esperamos resolver.

Los Perros de Pavlov estrenan el ecléctico y citadino LP «En Esta Ciudad No Cabemos Los Dos»

Los músicos santiaguinos pasean por la ciudad sin prejuicios estéticos ni sonoros, combinando dos pilares de la juventud: las corrientes urbanas y las indies, gracias a colaboraciones con artistas como KUINA y Frucola Frappé.

Ya nos mostraron con holgura su estilo capaz de combinar elementos como las cuerdas, los bronces y la programación digital en una serie de sencillos. «En Esta Ciudad No Cabemos Los Dos», el primer disco, recorre sus líneas sonoras como si de un viaje por la ciudad se tratara.

En 9 canciones de rock y pop ecléctico, los músicos no discriminan entre rap, trap, britpop, J-rock, shoegaze y emo. «Nos gusta hacer música intensa con muchas texturas, que se pueda integrar, fusionar, reinventar y transformar en algo nuevo. Intentamos, por medio del cruce entre el formato de una banda, más las sonoridades de la música de computadora, más las colaboraciones de artistas, huir de propuestas herméticas rígidas y puristas, que dividan y rechazan otras formas de escuchar y vivir la música», dicen Los Perros de Pavlov. 

Habitantes de una ciudad urbana y llena de estímulos, se inspiran en lo nocturno, lo caótico y lo rápido para dar con la estética que vemos en la portada, todo condensado en el universo que hay bajo nosotros: el metro. Así, es como las colaboraciones de KUINA, kuraimokha, Frucola Frappé e Idea Blanco funcionan como paradas de este recorrido por una ciudad donde no caben todos.

❝La inclusión de los feats es fundamental en la narrativa y carácter discursivo del proyecto. Para profundizar en esta búsqueda estética y creativa por romper con las dinámicas que suelen caracterizar a los circuitos musicales nacionales, quisimos llevar esta iniciativa más allá de lo sonoro y proponer colaboraciones entre artistas de géneros que no suelen colaborar directamente «, aseguran sobre este listado que une al trap y al indie, siendo ellos casi como una intermodal de combinación. 

Cada track es una estación que invita a pensar en la ciudad, en el espacio que ocupamos, en la arquitectura, las dimensiones, sus sonidos y estéticas.

«En Esta Ciudad No Cabemos Los Dos», producido por Heartgaze, Alex Rossel, Wally y Los Perros de Pavlov, es pop en su simpleza vocal y melódica. Es rock en su intensidad instrumental. Es Pavloviano en lo digital, en el desprejuicio para cruzar estilos y recursos. Así, Los Perros de Pavlov debutan con un LP dinámico, catártico y fugaz, tal como esos recorridos en metro, el submundo variopinto que convive heterogéneo debajo de la ciudad.

FABI experimenta con neosoul, indie, pop y jazz en «Perder»

El chileno, que se ha desempeñado en el arte musical desde varias aristas académicas y profesionales, estrena un nuevo LP en el que se entrega a la intención pegajosa y coreable. «Indie fusión» donde el mismo background del artista –ligado a la música contemporánea, la fusión latinoamericana y el world music– , se encuentra con el mundo de las canciones.

FABI, que ha sabido de música desde la academia, el mundo orquestal, la interpretación del bajo eléctrico, y las artes musicales más rebuscadas, presenta un nuevo disco desde la figura de cantautor y compositor: «Perder», encargado de suceder a «Catálogo de Canciones para el Fin del Mundo», del 2022. 

En esta etapa solista, nos regala 8 canciones que se aglutinan desde distintas vertientes musicales, pero que se van construyendo bajo un característico sello en donde la experimentación con el bajo eléctrico y la conjugación de lo anterior con su voz son partes fundamentales. 

«No importando el estilo, y sobre todo valorando el poder saltar de un género a otro, pienso en mi proyecto como una ventana al amplio mundo de las canciones –desde su formato más pop, hasta las canciones más raras–, que me permiten una conexión más directa con las personas, con tópicos más universales», asegura el artista, que también comparte la labor de producción junto a Andrés Landón.

A diferencia de la historia musical que precede a «Perder», aquí nos encontramos con sorpresas respecto a los estilos. El formato pop se cuela en esta experiencia, que tomó detalles, dichos y cotidianidades pegajosas para llevarlas a significaciones musicales relevantes.

“Me gustan mucho los refranes, frases que me hacían sentido a propósito de ciertas cosas que quería hablar. Traté que eso, que finalmente es muy chileno, estuviera en la música. Por ejemplo en ‘El Ponchito’ o ‘No Me Echo Pa’ Atrás’. Hay algo que está dentro de una especie de inconsciente colectivo, que tiene estas frases súper incorporadas. Hay una forma de idiosincrasia chilena que a mí me toma mucho”, comenta.

Tal como escuchamos en el adelanto ‘No Me Echo Pa’ Atrás’, junto a Lorena Blume, el álbum viene con más participaciones. «Hay increíbles colaboraciones: el productor Andrés Landón, en una canción bastante experimental con una brutal vibra ochentera. Valentina Rodríguez, que también fue la que nos acompañó como coach vocal en este proyecto. Natisú, en una canción que coquetea con el jazz contemporáneo. En el último track, Alfredo Tauber y Alejandro Pino, en trombón y trompeta, respectivamente, con impecables interpretaciones y solos”, agrega el músico

Acid jazz, neosoul, un poco de groove, un poco de rock, la brisa de Valparaíso y el largo recorrido de un músico, que este 2024 se anima a acercarnos a su biografía sonora con un disco que le canta al reconocimiento de la pérdida como un inevitable de la mera existencia, pero desde los rincones vivenciales colectivos. 

«Siento que este disco habla de manera un poco más descarnada de vivencias personales, que también se conjugan con vivencias que son comunes. Una de las cosas que yo quería hacer era poder conectar a través de estas vivencias. Muchas veces vivimos procesos dolorosos de pérdida, y uno se siente sólo en el mundo viviendo esas cosas, pero en realidad es una experiencia común, porque la pérdida es algo intrínseco de lo humano, convoca a todo el mundo». 

Yaima Cat refleja el sentir de la escena indie millenial en «LCQSQH»

El productor retrata a una generación con sobresaliente nivel en  «Las Canciones Que Siempre Quise Hacer»,  primer disco con el que se anima a transitar hacia la figura de artista, junto a la compañía de lo más destacado de la nueva movida independiente chilena.

El productor, que se transformó en referente dentro de la movida independiente en los últimos años, debuta con un largaduración que abre puerta a su lado más personal. Creativo, honesto, autoral, emocional y bailable, Yaima Cat presenta «Las Canciones Que Siempre Quise Hacer», un trabajo que cuenta con las destacadas voces de Hakanna, Simón Campusano, Bronko Yotte, Hiru, Niña Tormenta, Rosario Alfonso, Nando García, Mora Lucay y Martina Montaldo.

Una cumbre millennial que es, a su vez, una lectura de una escena que en Chile parecía disgregada, pero que hemos visto cómo se alza en toda la región con proyectos como Dillom, Akriila, elmalamía o Ca7triel y Paco Amoroso.

Desde la vereda de la producción, en clave mucho más vanguardista y juvenil, sumado a la búsqueda y el estudio desde el piano y el jazz, Yaima oficia como puente para que la comunidad indie dialogue con estilos bailables, evocando a las épocas de sus nacimientos, sin dejar de hacer eco en las generaciones y tiempos que corren. Millennials en su clímax; todo el sentir folclórico que guarda el núcleo pop chileno, ahora encuentra la pista con el recorrido en producción del artista.

Entre percusiones texturizadas, acordes y armonías características ya reconocibles de Yaima, y un sonido de pianos y melodías autosampleadas, “LCQSQH” es un primer disco honesto en composición y escritura. Con 9 canciones, Yaima Cat logra la radiografía de una generación donde él pone a disposición sus talentos para que otrxs expandan sentires. 

“Este disco es un desafío grande, porque es una mezcla entre mi rol de productor y el transitar a un espacio de artista. Me siento mucho más expuesto y eso tiene algo efervescente también», cuenta sobre este proceso donde los sonidos bailables y el rol que tienen en nuestra biografía, vienen a iluminar lugares que se sienten naturales. 

La exploración generacional y musical que agrupa voces, vivencias, texturas y sus procesos, nos dan con un entretejido de mixturas de buena factura, todo acompañado por el arte de Public Unpublic desde Berlín, quien propone una portada nostálgica con imágenes del mundo del animé, de espíritu juguetón, irreverente, pero sensible y conmovedor, tal como éstas, las canciones que Yaima Cat siempre quiso hacer.

La presentación en vivo de “LCQSQH” será una verdadera fiesta el próximo 11 de enero, cumbre millennial con sede en El Manduca, y que contará con las apariciones de Bronko Yotte, Simón Campusano, Rosario Alfonso y más sorpresas. Las entradas ya están a la venta en Portaltickets.