El ritual comenzó: Overdous profana lo sagrado entre trap, nü metal y reggaeton en ‘Dime que sí’

Uno de los pioneros del trap en Chile muestra una faceta inédita, transformándose en profeta de un movimiento espiritual y musical. Ben Bulgari es Bel Viso, un devoto obsesivo que construye sus impulsos sonoros desde Italia, en un secretismo que expone la fragilidad de la creencia.

Entre la ferocidad emocional más interna y la pulsión urbana, habita una entidad creativa cuya construcción sónica permite la tensión, narrativa y concepto sin prejuicio de estilos. Ben Bulgari impulsa Overdous, proyecto que se concibe como algo más allá que una banda. Es una legión colaborativa con doctrina propia donde cada integrante es intermediario para un ritual moderno en constante construcción. 

El rage es su lenguaje híbrido, tomando riesgos nunca antes escuchados y refrescando el género: la energía del trap se empalma con la herencia nü metal, agregando melodías del reggaeton como no se ha hecho hasta hoy.

 ‘Dime que sí’ es la primera muestra del urban future que proponen. Entre la brutalidad metal, sensualidad rítmica del trap y las melodías de reggaeton, la agrupación inicia un viaje tan físico y terrenal, como mental y espiritual. 

Terror psicológico, imaginería religiosa reinterpretada, y una interpolación entre lo sagrado y lo profano. Entre la culpa, el deseo y la transformación, Bel Viso –Bulgari–, acompañado de Faccia Muta, Volto Nero y Nome Negato, estrena el single que abre el portal de «Doctrina 17», primer álbum inspirado en 17:17, la hora asociada a la comunicación entre planos y manifestaciones de ángeles y arcángeles. 

«Esta canción es la introducción al mundo sonoro, y audiovisual de Overdous. El video fue registrado en tres ciudades de Italia por el director Daniel Roa. El proceso de mezcla estuvo a cargo del nominado a múltiples Grammy, Amir Derakh –guitarrista de Orgy, productor de Linkin Park, Coal Chamber, entre otros–. El master es de Mike Marsh, que ha trabajado con N.W.A, Depeche Mode, Bob Marley, Oasis, Prodigy, Björk, y más», detallan sobre el equipo que da forma a la carta de presentación.

Con influencias de Korn, Deftones, Playboi Carti, Ken Carson, Mora, Bad Bunny y Slipknot, marcan una apuesta de sonido vanguardista y una estética que va de películas de terror a diseñadores como Rick Owens.

Creando una mezcla de géneros, que para muchos parecen incompatibles, el cantante actúa como un profeta acompañado de fieles seguidores y músicos encargados de levantar un mundo oscuro que encuentra génesis y núcleo en la Doctrina 17, también en la música que reinterpreta el concepto. 

De esta forma, ‘Dime que sí’ «logra una perfecta armonía entre bases instrumentales del nü metal más noventero, en conjunto con el sonido del subgénero del trap llamado rage, además de técnicas de mezclas del género urbano, letras y líneas melódicas del reguetón», agregan. 

La nueva era del rage está aquí, en el fin del mundo, y ve la luz bajo el alero de Los Lobos Records. Un debut que, tal como su doctrina indica, está entre nosotros ahora que el calendario marca 17, y espera una respuesta: un sí que es, a su vez, un acuerdo espiritual caótico, único y sin retorno.

Universo pop en expansión: Dame un cuchillo debuta con un single doble que habita la contención y el desborde

‘No me interesa’ y ‘En el reverso de mi corazón’ son los adelantos del primer álbum del nuevo quinteto santiaguino que explora las tensiones emocionales de su generación en clave pop-rock. Grabadas en Santuario Sónico, las canciones revelan dos caras sonoras de un proyecto que se nutre de lo mejor del indie latinoamericano contemporáneo.

Entrar en los treinta puede ser una experiencia contradictoria. El vértigo de lo que cambia y la necesidad de afirmarse en medio de una ciudad que no se detiene conviven, y pueden generar confusión, miedo y ansiedad; pero también música. Dame un cuchillo, banda formada en 2022, recoge las tensiones de habitar Santiago hoy para entregar canciones cargadas de intensidad emocional y belleza pop; un nuevo universo post-adolescente para perderse y encontrarse. 

La carta de presentación del quinteto formado por Katerine Muñoz y los dúos de hermanos Patricio y Gonzalo Araya, y José y Joaquín Peralta, tiene dos caras: ‘No me interesa’ y ‘En el reverso de mi corazón’. En ambas, la necesidad de expresar lo que aprieta el pecho toma formas distintas, cada una con un lenguaje y una búsqueda particular, siempre dentro de las múltiples posibilidades que ofrece el pop alternativo. 

«Estos singles representan momentos diferentes del grupo. ‘No me interesa’ da cuenta de una primera etapa de la banda, donde la producción estaba centrada netamente en lo que podía hacer cada uno de nosotros con su instrumento. En ese sentido, es la canción con un formato más clásico de banda dentro del disco y, al mismo tiempo, la más íntima. ‘En el reverso de mi corazón’ es más cercana a lo que será el resto del álbum, en donde nos dimos el permiso de jugar con una producción un poco más ambiciosa y entretenida», cuentan sobre los tracks grabados en Santuario Sónico junto a Diego Gilabert y Aure Quintanal, gracias al Fondo de la Música 2025, del Ministerio de las Culturas de Chile.

Con alma de balada pop-rock e inspirada en un fragmento del libro ‘Animal Doméstico’ de Andrea Alzati, ‘No me interesa’ es «una especie de monólogo de una persona a punto de perderse, con esta sensación de que hay algo imparable que te consume. Es como un bosque que se está quemando, frente al que no se puede hacer nada más que aceptar y, de alguna forma, continuar; no como resignación, sino como una forma de permanencia. «El fuego se hace mi hogar», dice la canción, y eso es, al final, una forma de habitar el mundo en un contexto tan hostil como el presente”.

Arreglos de cuerdas y vientos, elementos electrónicos y un groove suave con influencias de Gepe, Bandalos Chinos y Alex Anwandter hacen de ‘En el reverso de mi corazón’ el punto de mayor despliegue sonoro de esta entrega, y donde más se manifiesta la sensibilidad pop de Dame un cuchillo. «Es como tener una piedra en la garganta, algo que se siente, pero que no se puede ver y tampoco sacar», señalan sobre la canción que se construye desde el verso «En el reverso de mi corazón hay una mentira que me lleva a repetir lo mismo siempre”, una idea incómoda y reconocible, quizá para todas las generaciones.

Con este lanzamiento doble, Dame un cuchillo no solo presenta las primeras piezas de un álbum debut que se anticipa como un espacio de exploración abierta y desprejuiciada a nivel de géneros y producción; también comparte un mapa emocional de la vida joven en la ciudad, con sus dolores y anhelos, sus miedos y búsquedas. Un nuevo pop chileno para reconocer y reconocerse, en cualquier etapa de la vida.

Julieta Venegas & Yahritza y Su Esencia presentan ‘La Línea’

Con una colaboración profundamente emotiva y socialmente relevante, Julieta Venegas estrena el tercer sencillo promocional de su próximo álbum «Norteña». En esta ocasión, la artista mexicana une fuerzas con el fenómeno de la música regional contemporánea Yahritza y Su Esencia, conectando generaciones y realidades a través de la música.

La separación de las familias y parejas a causa de la migración y las deportaciones es el eje del estreno que aborda una de las realidades más complejas de nuestro tiempo. A través de una narrativa, el tema retrata cómo una frontera —una línea invisible en el mapa— puede transformar por completo la vida de las personas, dejando historias suspendidas, amores a distancia y futuros inciertos. 

Inspirada en vivencias cercanas, Julieta Venegas reflexiona sobre el cambio de percepción en torno a la migración en ‘La Línea’. “La canción habla sobre dos personas que han sido separadas por una deportación. Una línea que parece no existir cambia todo en la vida de muchas familias, parejas, amores, historias que quedan pausadas, y muchas veces truncadas por no haber nacido en el país en donde intentan construir sus vidas», cuenta la artista mexicana.

«Crecí en Tijuana y he visto cómo esas historias han ido cambiando. Antes cuando alguien era deportado, se le veía como si fuese un criminal, con la idea de que sólo pudo ser deportado por haber hecho algo ilegal. Pero ahora, las personas pueden ser ilegales sólo por haber llegado desde otro país», agrega Julieta Venegas en la antesala de un venidero álbum que ya presentó los sencillos ‘Tiempos Dorados’ y ‘Tengo Que Contarte’, junto a Natalia Lafourcade.

Este nuevo adelanto, «es una canción de amor, de esperanza, de querer volver a estar con una persona amada a pesar de los obstáculos. Estoy feliz de compartirla con Yahritza y su Esencia, un grupo que vengo siguiendo desde hace mucho. Creo que la voz de Yahritza expresa perfecto el dolor de la separación y la emoción de querer volver a ver a alguien, y decir hasta el día en que vuelva a ti, seguiré cantando«.

Musicalmente, ‘La Línea’ se inscribe dentro del universo sonoro de «Norteña», el proyecto de Julieta donde explora raíces, identidad y territorio desde una perspectiva contemporánea. La colaboración con Yahritza y su Esencia aporta una sensibilidad generacional que amplifica el mensaje del tema, fusionando la tradición con una interpretación fresca y profundamente emocional.

Con este lanzamiento, Julieta Venegas reafirma su capacidad de transformar historias personales en himnos universales, mientras continúa construyendo un puente entre distintas culturas, sonidos y generaciones dentro de la música latina.

Folk experimental para recordar y sanar: Cualmarcelo presenta «Calendarios», su debut como solista

La memoria, el trauma y la reconstrucción personal son los ejes del primer álbum de Marcelo Aguayo, ex vocalista de Cuáles i Quiénes. Con momentos de poesía y expandiendo el folk con destellos noise y atmósferas ambient, el temuquense abre una ventana a su historia personal, para hacernos testigos de su dolor, el amor y un largo proceso de recuperación de la fe. 

Como adentrarse en el sur de Chile: en su frío, su melancolía, su bondad, su ternura, su violencia. En ese paisaje profundo, mixto y lleno de memoria se desenvuelve ‘Calendarios’, el primer álbum de Cualmarcelo, proyecto solista del músico temuquense Marcelo Aguayo.

«Quiéreme como estoy: roto, con el pañuelo lleno de sangre». Con la crudeza de quien relata su historia sin intentar esconder lo desgarrador, Cualmarcelo da forma a un relato íntimo y visceral, en el que la fragilidad se vuelve punto de partida para un proceso de reconstrucción que pasa por el dolor, el duelo y una búsqueda persistente de redención, de liberación.

A través de declamaciones poéticas y versos en clave folk que evocan momentos cruciales de su biografía, ‘Calendarios’ abre el mundo interior del compositor para invitarnos a ser parte de su experiencia emocional; un recorrido conmovedor que, en lo sonoro, transita entre un folk con tintes atmosféricos y referencias a la nueva canción, y momentos de mayor intensidad, donde irrumpen el ruido, la electrónica y pasajes más abrasivos, en un tránsito que va de lo frío y críptico a lo cálido y envolvente.

«El relato de ‘Calendarios’está centrado en la pérdida y la recuperación de la fe, después de asumir la propia historia y el trauma. Me gustaría que este disco entregue fuerza y también calma a quien lo escuche; que pueda conjugar un recorrido por emociones como la desesperación, la soledad o la rabia, pero que, en definitiva, entregue herramientas para quedar en paz con ellas. Que se cierre en sí mismo como un año calendario«, explica el autor del álbum que cuenta con ocho tracks producidos junto a Antonio Caballero en Estudio Centella y masterizados por Emanuel Irarrázabal.

Un suspiro antes de «Canción de Despedida», la elección de versionar con delicadeza «La Naturaleza», de Asia Menor, y resaltar esa mezcla de rabia y amor contenida en su poesía; el anhelo enamorado de «Sofía» y la melancolía de «Mishima». Con todos sus detalles y búsquedas, las piezas de ‘Calendarios’ son muestras del desborde, de esa herida que ya no vale la pena guardarse porque necesita ser expuesta para transformarse, para sanar. 

«Grabar este disco me ha permitido expresarme tal como soy. Creo que, después de haber pasado por Cuáles i Quiénes, siempre había querido enfrentar el desafío de hacer un disco en solitario, y siento que estoy cumpliendo una meta muy personal», detalla Marcelo, y añade: «Incluir un cover de Asia Menor lo entiendo como un gesto de homenaje a su obra. Soy muy fan, y tuve la suerte de conocerlos desde sus primeras tocatas. Nos hemos hecho muy amigos durante los últimos años, y su compañía y verlos crecer me ha permitido sentirme más cerca del lugar donde crecí». 

El debut discográfico de Cualmarcelo llega dos años después de la disolución de Cuáles i Quiénes, banda formada en 2016 con la que lanzó un EP homónimo en 2017 y el álbum ‘Mañana siempre es tarde’, en 2021. Hoy, con todos los aprendizajes que deja un camino como ese, el artista prepara el concierto de lanzamiento de ‘Calendarios’, evento que se realizará el viernes 19 de junio a las 18:00 horas en el Espacio Cultural Galo Sepúlveda, Temuco, y que contará con la apertura de Jorge Scheuermann y Recursos Humanos.

«Decidí cerrar primero una fecha en Temuco porque me siento de allá, a pesar de vivir ya casi 15 años en Santiago. Ahí vive mi familia y muchos amigos que he hecho en este recorrido artístico y que dan la pelea desde allá. Eso hizo que pusiera mis esfuerzos primero en hacer este lanzamiento en el sur», concluye, invitando a un encuentro en el que el frío del sur encontrará su contrapunto en la calidez de la música en vivo.

Synthpop y descontrol: Santiago Nicolás firma su primer single en solitario con ‘Soy Tu Enemigo’

Luego de integrar proyectos como Föllakzoid y presentarse en escenarios como Primavera Sound, el productor y fundador del sello ATML cruza la vereda experimental para condensar experiencias nocturnas en su etapa más pop.

De noche todo es más urgente: la emoción, el encuentro y el deseo. La tradición del pop electrónico chileno tiene un nuevo exponente: el productor y compositor Santiago González Lihn inaugura su faceta más apegada a la pista colectiva, con coros pegajosos y texturas de alta factura en ‘Soy Tu Enemigo’.

Tras formar parte de las filas de The Deadly Affair, Access Device, Ángel de la Guarda y Föllakzoid, además de pasar por escenarios como Primavera Sound, Festival Abstracta, Foro Indierocks! y giras por Europa y México, el artista articula melodías que saben de club, ritmos directos y armonías precisas.

Ahora, el fundador del sello Anything That Makes Light (ATML) da un giro sintetizando una década de colaboraciones y aprendizajes en diversas escenas. Sin dramatizar la experiencia de la noche, Santiago Nicolás potencia lo que sentimos cuando cae el sol. 

«La canción se mueve en un imaginario nocturno, pensado desde y para el espacio del club. Sonoramente, se construye cruzando elementos del synth pop y el techno, con una producción contenida y clara. Hay una referencia a las sensibilidades de la electrónica de comienzos de los 90, pero reinterpretadas desde un enfoque actual en el tratamiento del sonido», cuenta sobre la hipnótica entrega donde acredita producción, mezcla y master.

‘Soy Tu Enemigo’ llega como un track bailable de perfecto equilibrio entre movimiento, melodía y espacio. «Lo que en apariencia es un vínculo afectivo inestable, se revela como una metáfora de adicción. El otro funciona como proyección o desdoblamiento del propio sujeto, donde deseo y autoconciencia entran en conflicto», agrega sobre una tensión lírica que invita a desenvolvernos entre repeticiones sonoras brillantes mientras hace guiño a la dependencia, recaídas e impulsos.

Inspirado en encuentros capitalinos urgentes, que disfrazan necesidad de compañía con sociabilidad, Santiago Nicolás cruza el deseo emocional y químico en la suspensión momentánea que nos otorga la noche. «Empecé desde un lugar más experimental, siempre produciendo mi propia música y buscando distintas formas de composición y de voz. Con el tiempo, esa exploración se ha ido afinando. Siempre he tendido a moverme hacia lo que me desafía. Más que revelar una faceta oculta, esta etapa muestra cómo me siento hoy: un presente de conexión clara con el pop, desde el lenguaje musical hasta su alcance», confiesa.

Con el instinto de gestor y productor, el músico chileno da con una pieza nacida de la disciplina y la intuición, que «más allá de la emocionalidad puntual, tiene una intención de sostener cierta crudeza dentro de un formato que muchas veces tiende a la fantasía. Uno puede moverse entre lo luminoso y lo oscuro, pero tiene que venir desde un lugar honesto». 

‘Soy Tu Enemigo’ se vive desde el cuerpo y dialoga con lo externo sin perder profundidad. Experiencias que se comparten, mas no se imponen, que ahora habitan en un primer track como solista pop que está pensado para escuchar en la profundidad de la noche, en el filo del deseo y el control.