Sinergia metalera: All Tomorrows y Ater se unen para un poderoso ritual en Club Subterráneo

Dos de las más potentes agrupaciones de la escena del metal chileno –ambas parte de Torque Records– protagonizarán una inédita fecha conjunta este viernes 15 de mayo a las 20:00 horas en Club Subterráneo. Mientras All Tomorrows celebra su reciente triunfo en los Premio Pulsar 2025 con un show renovado y el próximo lanzamiento de una sesión en vivo, Ater despide la era de ‘Somber’, que los llevó por destacados escenarios internacionales, y anticipa música nueva. Las entradas ya están disponibles a través de TicketPlus.

El metal chileno está en uno de sus mejores momentos y Torque Records lo sabe. El nuevo sello nacional que tiene entre sus filas a proyectos como Éntomos, Chances, Mala Postura, Scott & Los Pelmazos y Joliette celebrará el gran presente que atraviesa la escena con una noche especial dedicada a la sección más pesada de su catálogo: All Tomorrows y Ater, dos de sus nombres más potentes, compartirán escenario por primera vez en Club Subterráneo (Orrego Luco 46, Providencia).

Programada para el viernes 15 de mayo a las 20:00 horas, la cita forma parte de una serie de conciertos que buscan nutrir la cartelera local a través del versátil catálogo del sello: «Durante este año estaremos organizando varias fechas que involucran a nuestras bandas para conmemorar hitos y juntar a las distintas comunidades que pululan nuestra música. Ater y All Tomorrows son proyectos que se relacionan desde hace varios años y creemos que un junte como este será una experiencia muy diversa para el público, que tendrá la oportunidad de escuchar dos vetas muy distintas del metal nacional, pero que convergen en un mismo ecosistema», explican desde Torque. 

Ambas agrupaciones llegan a esta fecha en momentos especialmente significativos de sus carreras. Por una parte, All Tomorrows continúa presentando ‘At The Shadows Of The Andes’ (2024), álbum que catapultó el poderoso sonido de la banda y que hoy impulsan con una renovada propuesta escénica, mientras preparan el próximo estreno de una sesión en vivo realizada para Sesiones TRQ. «La sesión cuenta con un formato de grabación a una sola cámara en plano secuencia, sin cortes. Este será el primer live con temas de nuestro último disco y con nuestra formación actual. Quedamos muy contentos con el resultado», cuenta el cuarteto de metal progresivo, reciente ganador del Premio Pulsar 2025 a Mejor Álbum Metal, y agrega: «Este show también servirá para celebrar 11 años de ‘Sol Agnates’, nuestro segundo disco».

Por su lado, Ater comienza a cerrar el ciclo de ‘Somber’ (2024), trabajo que durante el último año los llevó a recorrer importantes escenarios de Europa y Latinoamérica, haciendo resonar su nombre con fuerza fuera de Chile. «Queremos mostrarle a la gente todo lo que ha evolucionado el proyecto luego de estar girando tanto tiempo con bandas increíbles. También acabamos de terminar el proceso de grabación de nuestro próximo álbum, así que estamos emocionados por mostrar algo del material nuevo en este show«, adelantan sobre la jornada que ya cuenta con entradas a la venta a través de TicketPlus.

Además de la épica que implica el hacer comunidad, el encuentro en Club Subterráneo encuentra su máxima emoción en el viaje sonoro que se desplegará esa noche: desde la oscuridad introspectiva y emocional de Ater, hasta la precisión técnica y la energía melódica y voraz de All Tomorrows, el esperado encuentro promete ser una experiencia de alto impacto y entregar una panorámica del vigor que hoy define al presente y futuro del metal chileno.

 

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Inundaremos explora la crudeza y rearma su identidad sonora en «tanquemante»

Pasar del refugio al derrumbe en un segundo álbum donde lo cálido es abandonado para dar paso a otro fuego: lo crudo y doloroso. Con nueva formación, el trabajo brilla en el hielo de las distorsiones y los sintetizadores, rodeado por capas protectoras de cello, violines, charangos, y una inagotable búsqueda por salir de las zonas de confort. 

Es inevitable cruzar por la vida sin incomodidades y dolores, pero también es vital abrazar los días oscuros para sobrevivir. Inundaremos presenta un segundo disco que registra la dualidad emocional que significa pasar por esta tierra, consolidando sus intenciones acústicas y elevando la propuesta con una nueva arquitectura sonora entre distorsiones, batería, sintetizadores ruidosos, cello, saxofón y charango.

«tanquemante« es el nombre de las 13 canciones agrupadas en un título inspirado en el poema ‘La noche cierra el mundo’, de Juan Radrigán. Un imaginario coherente con la idea de la muerte de la ternura y la calidez, y la llegada de la densidad al proyecto en todas sus dimensiones.

«Siempre se nos presentó como una banda que hace música cálida u hogareña, y aunque la definición nunca nos incomodó, sí nos encasilló a componer desde un molde preestablecido. Ahora nos interesa comunicar que, aunque lo cálido reconforte, también existe esta otra parte: el frío y la ausencia, que son síntomas de un sonido mucho más maduro, sustentado desde el crecimiento de cada integrante hacia la adultez», cuenta la agrupación que debutó en 2023 con el LP «Esto lo hice sin querer».

Financiado por el Fondo para el Fomento de la Música Nacional 2025, el trabajo se presenta como un rompecabezas de sentimentalismos sometido al desafío de dar vida sonora al dolor y el sufrimiento. El álbum se divide en dos momentos: una apertura luminosa y energética, seguida por un cierre oscuro que profundiza en la nueva exploración de la banda. «Es una especie de respuesta rebelde al encasillamiento de las temáticas que abordamos y cómo las enfrentamos», aseguran.

Con ‘Nota Clara’, ‘8veces’ y ‘3300’, como muestras previas de lo que es «tanquemante», ha llegado el día en el que podemos oír esta evolución de forma íntegra, con todo su concepto desplegado.

Relatando las variadas ausencias a lo largo de la vida, –que pueden ir desde una libreta, a una amistad, a la pérdida de memoria–, Francisca Fuenzalida, Vicente Reyes, Vicente Gottreux, Benjamín Aguirre, Javiera Faúndez y Sergio Arciego nos regalan una placa para abrazar el invierno en todos sus estados: los maximalistas y eufóricos; también los limpios en elementos, en los que entre guitarra, voz, piano y cello aparece la intimidad que siempre logra Francisca con su voz.

Un conjunto de fuerzas individuales que encuentran su mayor potencial cuando están juntas. “Cada quién es una gota de una gran lluvia”, dicen. Ese crecimiento quedó plasmado como una fotografía en una búsqueda instrumental más ambiciosa y en nuevas referencias creativas, fortaleciendo la complicidad entre sus integrantes y sacándolos de su zona de confort.

Un proceso para resignificar estas búsquedas como un motor, para sentirnos y entendernos vivos. «El sentir se ha volcado al fundamento inicial; consideramos que hacia los tiempos modernos se ha diluido en esencia la importancia del sentarse a sentir y entender qué nos pasa como seres partícipes de cambios sociales, sentimentales y estructurales», explican sobre el proceso.

«Si no lloran, les devolvemos la plata», es la promesa que hacen sobre el álbum pensado y articulado para conectar con lo que nos duele. Entre repeticiones de frases como plegarias, distorsión para el trance y finos revestimientos de cuerdas que van del violín al ukelele, Inundaremos logra encontrar lo meloso del dolor, pero también apaga el sol a punta de sufrimiento. 

Inquietante y tenso, como un alma pesada que se asume con miras a encontrar consuelo y la anhelada sensación de calma, tal como cuando despiertas un día y te das cuenta que ese peso en el corazón, que fue espina durante tantos días, ya no duele más.

El Rey Sol apuesta por la introspección épica en «Yo te espero», una balada progresiva y nocturna

En un nuevo adelanto de su próximo disco, el dúo transatlántico integrado por Marco Arias y Héctor Matías Donoso desafía el canon de la canción de amor con una odisea electroacústica de largo aliento. Entre texturas acuosas y una voz que viaja del pop al rap, el sencillo producido por Centella regala un momento de contemplación para suavizar la falta de certezas.

El amor en tiempos de incertidumbre encuentra en «Yo te espero» un refugio. Lejos de las resoluciones rápidas del pop convencional, lo nuevo de El Rey Sol se sumerge en la espera y la convierte en un territorio activo; un ejercicio de contemplación que utiliza texturas acuosas y un desarrollo progresivo para retratar la densidad emocional de quien decide, pacientemente y con profundo amor, aguardar.    

Grabada entre Londres y Santiago, el quinto sencillo de la nueva era del dúo que debutó en 2018 con el álbum ‘Símbolos Secretos’ «se mueve entre lo íntimo y lo sintético, combinando una base de guitarras con capas de sintetizadores que amplían su profundidad. En esa tensión entre lo orgánico y lo artificial, la canción construye una atmósfera nostálgica e inmersiva», detallan sobre el track de seis minutos y medio de duración, convirtiéndose en la pieza más extensa del proyecto hasta la fecha.

Desde una línea de bajo en semicorcheas que empuja el ritmo, pasando por la particular utilización de un efecto delay de grano, hasta una interpretación vocal que explora el rap y la poesía para alejarse de la lírica amorosa tradicional, «Yo te espero» construye un momento de introspección épica que marca uno de los puntos más ambiciosos del que será su segundo LP. 

«El resultado es una pieza que crece en intensidad sin perder su carácter íntimo. En su dimensión lírica, la canción aborda una forma de vínculo marcada por la espera y la ambigüedad. La voz se sitúa desde una conciencia clara de su lugar dentro de la relación: un espacio intermedio, afectivamente cargado, pero no resuelto. Nos parece una canción perfecta para escuchar en el otoño que se abre en el hemisferio sur».

La naturaleza de El Rey Sol es, por definición, itinerante. Desde sus inicios, el proyecto sostiene un proceso creativo transatlántico: mientras Marco Arias reside en Londres, Héctor Matías Donoso navega los mares como director musical a bordo de un crucero. Esta distancia, lejos de ser un obstáculo, se ha convertido en un motor de libertad creativa. «Estar al margen de la industria nos da una libertad infinita, como publicar un single de más de seis minutos. Representa nuestro entendimiento de la música como un campo de experimentación artística dentro de un contexto popular», reflexiona Marco sobre esta pieza cuya melodía compuso originalmente en 2011 y que hoy ve la luz tras meses de revisiones junto al productor chileno Centella.

«Yo te espero» llega luego de canciones como «Gato Viejo Entrando», «Canción Nocturna», «La Granada» e «Historia Original», las que de a poco han ido revelando la estética de pop nocturno y rock alternativo que cruzará su nuevo larga duración, un trabajo que, si bien aún no tiene fecha de estreno, ya se asoma como una colección de canciones magnéticas y profundas, cargadas de esa tensión constante entre lo íntimo y lo épico, lo humano y lo sintético, que define la identidad única de El Rey Sol.

Ucronía, psicodelia y jazz rock: Légamo estrena ‘Círculo de Fuego’ y anuncia gira nacional

En su cuarto álbum de estudio, la agrupación de rock experimental de Valparaíso consolida su nueva formación de sexteto con un sonido crudo y visceral. Acompañado por un relato original de ciencia ficción, el LP conceptual propone una ucronía solarpunk que será llevada a escenarios de La Serena, Santiago, Rengo, Valdivia, Concepción, Iquique y Antofagasta, en su tour más extenso hasta la fecha.

Una odisea conceptual es el corazón de ‘Círculo de Fuego’, el nuevo disco de uno de los secretos mejor guardados del Barrio Puerto de Valparaíso: Légamo, banda que desde 2016 cruza elementos del punk, avant-prog y free jazz para levantar un universo complejo y ecléctico que hoy se expande con una narrativa de ciencia ficción, una refinada factura sonora y una gira nacional.

En este cuarto trabajo de estudio, la agrupación –convertida ahora en un explosivo sexteto– nos presenta a Jaco, protagonista del relato original «Al encuentro de sí mismo», que acompaña y engrandece la experiencia del álbum. Desde ahí, el disco se abre como la banda sonora de una revuelta popular que logró cambiar el orden social y permitir que la humanidad pueda convivir con la naturaleza en armonía y goce; una «utopía solarpunk» atravesada por el surrealismo y la psicodelia que invita a vivir un viaje meditativo y enérgico a través de siete composiciones.

«La historia de Jaco no tiene muchas palabras; se cuenta más bien a través de un sonido con varias capas, géneros e influencias. Nos gustaría mucho que cada tema logre transmitir la sensación que tiene el protagonista al deambular por las distintas dimensiones. Sentimos que ‘Círculo de Fuego’ es un trabajo para escuchar de noche, junto al relato escrito, pero también para escucharlo en el cotidiano, afrontando la rutina y estimulando la imaginación de otros mundos; que sirva para darle cara a la diaria opresión del sistema», cuentan sobre la placa grabada entre Mixuo Records, Perú, y EnPalqui Records, Valparaíso.

Además de ser una obra que integra distintos universos artísticos, ‘Círculo de Fuego’ es una radiografía de la identidad de Légamo. «Queremos que quien escuche sienta nuestra esencia más pura y la manera que tenemos de afrontar la música; una interpretación que, aunque hoy esté más refinada, sigue siendo cruda, visceral y propia de la escena en la que nacimos». 

Este espíritu genuino y rebelde que los ha posicionado como la banda punk del jazz se fortalece a través de la colaboración, sumando una pieza junto a su aliado Pato Patín, la encarnación de la banda imaginaria Lopurpura y el trabajo visual de su amiga Francisca Messina, responsable del arte del disco.  «Hoy sentimos a Légamo como un proyecto viajero y colaborativo», explican.

Las diferentes dimensiones de ‘Círculo de Fuego’ llegarán a los escenarios en una ambiciosa gira nacional que los tendrá recorriendo Chile durante abril, mayo y junio. El sexteto dueño de delirantes melodías de bronces y densos momentos instrumentales llevará la resistencia de la ciudad utópica de Tar Tar a La Serena, Santiago, Rengo, Valdivia, Concepción, Iquique y Antofagasta, en una serie de fechas que prometen trasladar al público al surrealista mundo de Légamo.

La travesía comenzará este sábado 25 de abril en el Calaca Bar de La Serena, para luego aterrizar en Santiago el sábado 2 de mayo en el mítico Thelonious Jazz Bar. El recorrido continuará el 9 de mayo en Aldea 31 de Rengo, antes de emprender rumbo al sur para presentarse el 21 de mayo en la Ex Fábrica Barrios Bajos de Valdivia, y el 22 y 23 en Concepción. Finalmente, la banda llevará su utopía solarpunk al norte grande, el 12 y 13 de junio, con presentaciones en Iquique y Antofagasta, respectivamente. Las entradas ya están disponibles en el sitio web oficial de la banda.

«Esperamos que esta gira nos abra puertas, que nos pueda escuchar más gente y por sobre todo esperamos pasarlo genial y seguir tejiendo las redes de apañe dentro del under que hemos construido durante todos estos años. Creemos que somos una banda que vale la pena ver en vivo, por la entrega que tenemos sobre el escenario: somos 6 personas dándolo todo. Prometemos una experiencia intensa y única», adelanta Légamo, un proyecto que desde los rincones de Valpo persiste en la misión de descentralizar la vanguardia y demostrar que la identidad local es, hoy más que nunca, una fuerza irreemplazable en la música chilena.

Taliska debuta con «HENKŌ»: un viaje de transformación emocional entre glitch, drum and bass y nostalgia digital

La voz revelación del pop experimental chileno estrena un EP cargado de electrónica íntima y reflexiones en torno a los procesos de transformación interna. En seis tracks inspirados en el sonido de los aviones, la artista de Pudahuel sobrevuela su historia personal para convertirla en un refugio que abraza la nostalgia y el cambio, entre ruidismo, hyperpop y momentos de piano clásico.

Vivir toda la infancia cerca del aeropuerto Pudahuel. Recordar el ruido de los aviones despegando, tapando las voces que salían de la tele. Pensar en cómo funcionan esas máquinas gigantes, fantasear con sus destinos, perderse en el cielo mirando las huidas. Taliska hizo de este trozo de su historia el punto de partida para «HENKŌ«, un miniálbum que en seis tracks revitaliza el pop chileno, empujándolo hacia territorios más experimentales, lúdicos y emocionales.

«Siempre estuve rodeada del sonido de los aviones. Con el tiempo empecé a sentir ese ruido en el cielo como algo casi poético, y por eso en este disco quise trabajar con elementos que no fueran solo musicales, como glitches, ruidos mecánicos y sonidos que evocaran máquinas y movimiento», explica Michelle Grille –artista tras Taliska– sobre el trabajo que transforma el ruido en un lenguaje emocional propio.

Tomándose del término japonés henkō, que significa «cambio desde dentro y sin retorno», la oriunda de la zona norponiente de Santiago comparte una colección de canciones que se aleja del relato tradicional para presentarse como un proceso emocional en constante mutación. Más que contar una historia, el EP funciona como un collage de estados de fragilidad y momentos de confusión afectiva que derivan en un espacio de mayor claridad y autoconocimiento. «No se trata de emociones aisladas, sino de un tránsito. Hay una mezcla entre nostalgia, transformación y la sensación de que algo está cambiando todo el tiempo», asegura.

«Cómo extraña el cuerpo cuando el alma se va. Y vuelve igual de joven como un cristal», dice uno de los versos de «Desde tu calma», uno de los highlights del debut, como sintetizando su idea central: esa posibilidad de perderse, reconstruirse y volver a empezar como parte de un mismo movimiento interno, de un mismo viaje. 

Ese recorrido personal se traduce en un flujo sonoro que cruza con juego y luminosidad el drum & bass atmosférico, dulces melodías pop, capas electrónicas y texturas glitch, dando forma a un universo atravesado por la nostalgia digital, donde la memoria aparece como un registro íntimo y difuso, como si se tratara de recuerdos encontrados en una cámara antigua o perdidos en internet.

«Varias de las canciones de‘HENKŌ’nacieron a partir de ideas y composiciones iniciales de Matías Hahn, que en ese momento era mi pareja y hoy es un amigo. A partir de ese material yo me encargué del proceso de producción musical –junto a Milan Santelices y Laury.n–, de terminar las canciones y de construir el universo sonoro y estético. Para mí fue un trabajo de transformación: tomar esas bases iniciales y llevarlas hacia un lenguaje que representara mi identidad artística. En ese sentido, este trabajo también habla de cómo las experiencias y los vínculos pueden mutar y convertirse en algo nuevo a través de la música», detalla Taliska, dando cuenta de un proceso creativo atravesado por el armar y desarmar; por la posibilidad de darle una vida nueva a cada sonido, experiencia o vínculo.

Como abriendo sus alas, «HENKŌ» encuentra nuevos horizontes para expandirse en «Ángeles de Metal», fanzine cómic basado en los aviones que prepara la artista y que «funciona como una extensión visual del proyecto y explora esa mezcla entre memoria, tecnología y transformación que está presente en las canciones. En general, ‘HENKŌ‘ fue un proceso muy orgánico donde distintas influencias –personales, sonoras y visuales– se fueron conectando con el tiempo y, más que un concepto cerrado, lo siento como un pequeño universo que sigue expandiéndose a medida que el proyecto va encontrando nuevas formas de expresarse», concluye, reafirmando que, como todo, este EP no es un punto de llegada, sino un vuelo en curso que sigue encontrando nuevas formas de existir.

El concierto de lanzamiento de «HENKŌ« será anunciado próximamente en las redes sociales de Taliska.