Sombra adelanta su segundo disco con la expansiva y sensual ‘Para no regresar’

El proyecto musical de Jani Dueñas, quien estrenó esta semana una sesión en Tiny Desk junto a 31 Minutos, presenta la primera pista de «Hay que Morir Primero», su nuevo trabajo discográfico que llegará a plataformas a fin de año.

Apurar la velocidad para encontrar el cuerpo cálido. Sumergidos en una pista tentadora y fluida, Sombra anuncia un segundo disco de estudio con «Para no regresar», el sencillo encargado de seguir la historia que comenzó el debut “Uno”, en 2022.

Sobre sonidos electrónicos espaciales, la actriz y cantante Jani Dueñas arrastra susurrante el deseo de una invitación, un regreso, un tira y afloja que logra envolvernos de forma vibrante, todo gracias a la construcción ambiental trabajada junto a Cristóbal Carvajal y Nicolás Alvarado en la producción, y Francisco Holtzman en la masterización, con financiamiento del Fondo de la Música, Línea Producción de Registro Fonográfico, convocatoria 2024.

El primer single de «Hay que Morir Primero» ronda desde la primera etapa de Sombra, e inevitablemente fue mutando como un germen creativo, hasta ser algo totalmente distinto a la idea inicial. 

«Esta canción es una de las que ha estado más tiempo en el proceso entre un disco y otro. Viene de la época en que tocábamos en vivo los tres, y se fue transformando: partió como una cosa y, con el tiempo y la producción que hicieron Cristóbal y Nico, llegó a ser lo que es hoy. Pienso que es un súper buen puente entre el álbum anterior y este, considerando que uno lo produjimos con Cristóbal y, este, con Nicolás. Esta canción es el triángulo que nos une. Por otro lado, tiene la identidad del sonido que a nosotros nos gusta, pero me parece que es mucho más fresca que el disco anterior. Por eso lo elegí como single”, cuenta la artista también parte de 31 Minutos, quienes emocionaron con un paso por las sesiones Tiny Desk de la NPR.

Si el darkwave, el trip hop y la electrónica alternativa noventera son pilares de inspiración para Sombra, y «Uno» lo desplegó desde rincones más industriales y oscuros, «Para no regresar» lo propone desde un lugar más luminoso y ligero.

«Creo que es la primera muestra por eso: por la frescura. La letra, el beat y la onda que plantea. Dan ganas de moverse, de viajar, hay una cosa ondulante y que yo siento muy coqueta cuando la canto; me gusta eso, siento que transmite algo cercano, más cálido, que fluye súper bonito. Para mí, es refrescante y renovador buscar ese sonido, encontrar nuevas formas de hacer lo que me gusta, y hacerlo como a nosotros nos gusta que suene”, agrega.

Con este primer destello en la Sombra, Jani Dueñas detiene la velocidad en viajes que encienden el cuerpo entre promesas que continúan recorriendo rincones de la pista alternativa, el deseo, el amor y la vocalidad, todo dispuesto para una nueva exploración sonora en la que nos cantará cómo fue morir y revivir para contarlo.

Dënver le canta a las penas del mundo y el corazón en ‘A Pedacitos’, la balada perfecta para recibir la primavera

Desamor cargado de saxos, soul y poesía, con el pop al que siempre acostumbra el dúo del Valle del Aconcagua. Una segunda muestra de música inédita, acompañada de un video dirigido por Milton Mahan, Juan Maturana y Plátano Films, donde el imaginario Dënver regresa con delicadeza e intensidad.

Nada tiene sentido, Dios también es palestino 🇵🇸. Luego de un gran regreso a la música con ‘Bien tu Mal’, Mariana Montenegro y Milton Mahan siguen deleitándonos con nuevas canciones. Esta vez, se trata de una faceta sonoramente más suave, cercana al soul y al R&B, con profunda intención lírica, donde ambos artistas exploran sus potenciales en la construcción de la pieza.

«Nos interesaba mostrar lo que han evolucionado nuestros intereses musicales en este tiempo. Nos encantan las canciones para la pista de baile, pero los momentos más introspectivos a veces te permiten reflexionar desde lugares más personales y, en este caso, ayudaba el mood a descubrir una lírica más visceral, más cruda, y así encontrar el punto en el que las reflexiones de uno se encuentran con lo que sucede en el mundo, y cómo eso nos afecta», cuenta Milton Mahan sobre este proceso de Dënver. 

La decisión de presentarla como segundo sencillo en este esperado regreso recae en eso: «Tiene una personalidad muy diferente a ‘Bien tu Mal’. Queremos ir enseñando de a poco este paisaje de canciones que estamos preparando, que son muy variadas entre sí», nos dice Mariana Montenegro respecto al track trabajado junto a Nico Parra de Black Vitamina, con batería a cargo de Guille Salort desde Argentina, Pablo Jara en guitarras y Franz Mesko en el saxo.

Narrativo y poético, ‘A Pedacitos’ es un single que rescata esa esencia de Dënver que tan bien conocemos, como si estuviéramos de regreso en el imaginario de éxitos indie como ‘Lo Que Quieras’, pero con todo el recorrido, la experiencia y el aprendizaje de los años que han transcurrido, justo en vísperas de la década de «Sangre Cita«, último disco lanzado por el dúo antes de su hiatus.  

Mientras sonaba Nick Hakim, Mac Miller, Prince, Rupert Holmes y Steely Dan, fue armándose esta novedad que agrandará el universo visual de Dënver, esta vez con un video a cargo del integrante de la banda, Milton Mahan, junto a Juan Maturana y Plátano Films, a estrenarse este viernes 10 de octubre.

«Queríamos transmitir el contenido poético de la canción y el concepto de pedacitos; por eso la presencia del kintsugi y los sugerentes planos cerrados. Por otro lado, esta visualidad más deslavada, con una paleta de colores muy acotada, fue una muy buena aliada para representar la organicidad de la canción»,asegura Montenegro, mientras Mahan apunta a«mostrarnos a nosotros más vulnerables, salirse un poco del personaje, pues también hace bien para reconocerse en el tiempo».

‘A Pedacitos’ será una de las buenas nuevas que sonará en las espectaculares fechas que Dënver prepara para este fin de mes: Halloween en Tromaundos Valparaíso el 31 de octubre en un concierto larga duración, además de un paso por Open Blondie el 1 de noviembre en Club Hípico, Santiago.

«Ermitar» la soledad como refugio emocional: Martina Montaldo estrena su nuevo disco

Un trabajo de ocho canciones donde la artista chilena explora sensaciones, dolores y vivencias universales, a través de sonidos electrónicos y ambientales, tomando la soledad como un acto creativo de autodescubrimiento.

El ermitaño podrá estar en soledad, pero con dificultad dejará de estar consigo mismo. Incluso perdiéndose, siempre tendrá su ermita. Martina Montaldo, la chilena que en el pasado ya había construido toda una década de carrera como Martina Lluvias, ahora abre esta historia con un primer disco con su nombre de pila como identidad artística.

Un viaje intenso, disperso y revelador, que tuvo de miedo e intuición, también de aceptarse y verse de forma más real. «Tuve que incorporar una gran soledad como parte fundamental de mi proceso compositivo y de preproducción», cuenta sobre un recorrido que contó con Ismael Palma en la producción, área en la que Montaldo tuvo mucha más participación en esta oportunidad. 

«Fue desafiante y frustrante en muchos momentos: tirar ideas en la intimidad del Ableton en mi PC, donde mi principal fijación eran los defectos y temores. De a poco, me empezaron a gustar los resultados, comencé a sentirme reflejada en los sonidos. Además, contaba con la confianza de Ismael como productor a cargo. Fueron altibajos de observarse y aceptar que me gustaba lo que iba escuchando, cómo se iba desarrollando el disco. Eso se refleja en las canciones, a través de sonidos que antes no estaban en mi imaginario y que suenan a exploración y a nuevos lugares», agrega.

Así, «Ermitar» es una mezcla de cosas que Martina Montaldo disfruta escuchar, entre las que fue encontrando dentro de ella. Un poco de jazz, mantras para calmar la mente. Cantautores de voz cruda y guitarra, baladas, pop latino dosmilero, música urbana, rock alternativo, noise y trip hop. Música de loops. A veces sólo el silencio. Y así, llegó el título. En la intimidad, refugiada en esos momentos privados con ella y su alma, el concepto de un ermitaño –su carta frecuente y arcano– hizo sentido.

«Pensé en cómo se llamaría la acción de lo que hace el ermitaño al replegarse con la luz que lleva en su mano. Pensé en «Ermitar». A cualquiera le puede venir bien «Ermitar» si es necesario». Tras escuchar las ocho canciones, estamos de acuerdo. Todos lo necesitamos de vez en cuando. Abrazar esa luz en privado, encontrarnos o perdernos en la solitaria intimidad.

«En este LP quiero compartir mucho más mi voz con quien escucha, y también la interpretación de mis relatos. Que la emoción se traspase y se sienta viva. Quería lograr que cada canción fuese el soundtrack de un momento, un recuerdo mío y poder entregarlo así: como una cápsula sonora con un color y una esencia marcada».

Confiar. Reconocer el miedo al rechazo, al olvido, al paso del tiempo. Aceptar la tristeza. Aprender a disfrutar. «Ermitar» es encontrar el equilibrio en la intensidad de la vida cotidiana. Entregarse al viaje, a las dudas existenciales, los duelos, echar de menos, paralizarse y calmarse.

«Si bien el disco nace desde experiencias personales, siento que habla de emociones universales. Mi deseo es que quien lo escuche, encuentre en estas canciones un reflejo o un refugio, como yo lo encontré al crearlas y conectemos desde ese espacio». La invitación a «Ermitar» está hecha.

Paisajes internos y experimentación folk en «Detrás de las palabras», el brillante debut de Alfilera

Una de las cantautoras más queridas de la escena indie folk chilena libera su primer LP: 11 composiciones que cruzan la canción acústica y de raíz con sonoridades ambient, electrónicas y rockeras, en una propuesta íntima y expansiva que se alza como la voz de lo indecible.

«Estoy bailando en el frío», dice una de las primeras frases de «Detrás de las palabras», el nuevo —y primer— álbum de Alfilera, como cristalizando el espíritu de un compilado de canciones que buscan acompañar con cariño y luz aquello difícil de nombrar. 

En 11 piezas en las que convive la fragilidad de lo confesional con la fuerza de la experimentación sonora, Alfonsina García comparte un universo sumamente personal, que indaga con dulzura y un temple sereno en las heridas, el crecimiento y la memoria, eso que llevamos con nosotros para siempre como un recordatorio de lo que fuimos, de lo que somos.

«Para mí, este disco es un gran experimento sonoro. Tiene canciones que escribí en distintas épocas, desde 2017 hasta el día de hoy, y que reúnen elementos del indie folk, pero también integran sonidos ambient más inmersivos y electrónicos, incluso más rockeros»,explica la compositora sobre el LP del que se adelantó el single «Indeleble»,y agrega:«La clave fue trabajar con otras mentes y manos creativas: junto a Nicolás Nazar probamos cosas nuevas, jugamos y armamos una propuesta que realmente nos hiciera sentido; con Carlos Avilés exploramos las texturas más envolventes y cinematográficas, y con Nando García buscamos conservar la intimidad de cada canción. Fue un proceso extenso y detallista, y estoy muy feliz con el resultado».

Marcado por la emoción y dueño de una sensibilidad narrativa que evoca melancolía, nostalgia y espiritualidad, el esperado debut discográfico que desde ya se posiciona como uno de los mejores trabajos chilenos del 2025, es capaz de acompañar sentimientos intensos sin abrumarlos; más bien envolviéndolos con delicadeza, dejando espacio para que cada emoción se reconozca y se descubra a su tiempo, gracias a la propia introspección y los recuerdos. «Si bien es un disco con paisajes que dibujan un vasto exterior, también evocan las cuatro paredes de una habitación. En estas canciones me he escondido y me suelo esconder, por lo que compartirlas significa mucho para mí», confiesa la también sesionista de proyectos como Rosario Alfonso y Camila Bañados. 

Con colaboraciones de la ecuatoriana Sr. Maniquí en «Siluetas», la cantautora bogotana Manuela Ocampo en «Indeleble», el productor Carlos Avilés en «Nube» y «Anagrama», el músico chileno Benjamín Aguirre en «Lo invisible», y las contribuciones en guitarra y voces del histórico integrante de Alfilera, Fabián Páramo, a lo largo de todo el álbum, «Detrás de las palabras» confirma lo colectivo de los relatos personales, y cómo en ellos se incluyen otras voces y perspectivas que aportan fuerza a lo que se busca transmitir, sin perder intimidad ni coherencia. Es en este encuentro de sensibilidades donde Alfilera abraza la certeza de que no estamos solos en aquello que sentimos.

Con la hermosa intención de un susurro en un mundo extra intenso, «Detrás de las palabras» nos concede un momento para adentrarnos en un espacio de contemplación y reflexión necesaria; un lugar sin tiempo que funciona como refugio de lo que borbotea adentro con una intensidad inusitada. «Pienso en la imagen de una represa cediendo, de una avalancha cayendo, de algo que se destapa», dice, aludiendo a la fuerza interior que atraviesa cada composición.

Así, el álbum marca un antes y un después en el camino de una de las artistas más prometedoras y queridas de una escena alternativa siempre en movimiento, pero también establece un referente a la hora de cómo narrar lo más íntimo —lo casi inefable— sin perder fuerza, creatividad, autenticidad y expansión. 

«Detrás de las palabras» será presentado en vivo en un show programado para la primera mitad del 2026. Para más información, te invitamos a seguir las redes de Alfilera.

Contra la tibieza y la resignación: Violentistas de Siempre presentan «malmenor», su primer disco

La banda acoge crítica, baile, contención y denuncia sin perder gallardía ni valentía; todo en un álbum cargado a los ritmos alternativos de las últimas décadas –del indie al punk, y del ska al pop–, distribuido por el sello chileno JoyBoy Records.

Los inadaptados, los molestos. Aquellos que van en contra de la moral y las buenas costumbres. El chilenismo impuesto por la prensa en los setenta, en periódicos como La Segunda o El Mercurio para criminalizar a manifestantes, fue un provocador punto de partida conceptual para ironizar desde la poesía y el sentir de Violentistas de Siempre, la agrupación chilena compuesta por Alejandra Decap, Vicente Delgado, Exequiel Trujillo y Fabián Puelma, amigos y activistas que desde el 2022 juntan sus caminos en lo musical, y que hace ya un año deslumbran con una serie de sencillos y presentaciones en el circuito independiente santiaguino.

Su primera entrega fonográfica de larga duración ahora es una realidad. Se trata de «malmenor», 13 canciones que nos permiten conocerles en múltiples capas, luego de varios años de darle forma a lo que presentan.  

«El disco es conceptualizado como un viaje de la emocionalidad bajo la época del mal menor, exponiendo la atmósfera –en sus luces y sombras– luego de la revuelta del 2019 y el posterior proceso constituyente en Chile, en medio de la pandemia. También critica el chantaje de la resignación a lo “menos peor», tan peligroso ante la barbarie que se vive. Hay una dimensión estética, además, que describe la situación como artistas independientes: trabajar con los recursos que hay a mano, como herramientas baratas o softwares piratas, pedaleras digitales económicas, grabar música en la casa. «Es lo que hay», un «mal menor» para poder crear», es lo que cuentan. 

Sin pretensiones de virtuosismo, pero con toda la intención de irreverencia y honestidad. En el álbum podemos respirar actitud grunge de los 90, exploración industrial, y frescura juvenil del aprender haciendo. Un viaje emocional que pasa de la desesperanza a la posibilidad, un tránsito que va de las preocupaciones y angustias, a la rabia y la esperanza, rivalizando con el optimismo forzado del mercado y las redes sociales.

Un collage que mezcla influencias sonoras, etapas sociales y personales, recursos acotados y ganas de no temer a sonar lo-fi, sea medio jugando o medio en serio. 

«Tenemos un fuerte anclaje en el rock de los 90 y los 2000, pero revisitando cada tanto el rock alternativo de los 80. Rage Against the Machine, Sonic Youth, Red Hot Chili Peppers, Blink-182, Nirvana, NOFX, Sumo y The Clash. Los Prisioneros también son un referente clave a nivel nacional», aseguran, tomando a Violeta Parra, Gabriela Mistral y Raúl Ruíz como otros nombres artísticos que van pintando el lienzo que es «malmenor».

Los sencillos previos y los shows han calentado el ambiente. Baile, salto, consigna y liberación. ‘Pero No’, ‘IOF’ y ‘Empate’ son algunos de ellos; ahora disponemos de nuevas canciones para el impacto dual de la resistencia emotiva que significa Violentistas de Siempre. Lejos de querer pertenecer a un nicho especializado, la banda pensó en un especial lanzamiento de concierto junto a Mauricio Redolés en Bar de René, un referente en coherencia con sus motivaciones sonoras y artística. «Compartir escenario con él es épico y un gran honor. Es el papá del real punk chileno. Admiramos su trayectoria, desde su exilio y contacto con el punk inglés, hasta su persistencia y apoyo a distintas luchas sociales a lo largo de los años», cuentan sobre el invitado que acompaña el inicio de esta era.

«Esperamos radicalizar gente», dicen en broma. En la bajada real, el objetivo de «malmenor» es poner una conversación honesta sobre la mesa, conectar con más bandas y públicos afines, y así construir una red más fuerte. 

«Queremos provocar un quiebre en la tibieza y la resignación, ofreciendo un sonido que haga bailar pero también criticar. Acompañar a las personas en sus vidas, hacerlos sentir y, sobre todo, cuestionar y buscar un cambio juntos». Entre agite, baile, resistencia y amigos, aprovechamos el «malmenor» para encontrar ese cambio.