Magalí Cibrián adelanta su segundo disco con una trilogía de canciones transformadoras

Guiada por el impulso del cambio, la artista integral argentina Magalí Cibrián compuso tres canciones que abren camino a la transformación. Cada una en una lengua diferente y con su respectivo videoclip realizado y dirigido por la misma compositora, “Fugir”, “La primavera del desencanto” y “When”, anticipan el concepto de un nuevo álbum que estará marcado por los climas cinemáticos, la profundidad emocional y la crudeza en su narración.

A tres años del lanzamiento de La hora azul, su álbum debut, la trilogía que adelanta el segundo trabajo discográfico de Magalí Cibrián irrumpe con delicadeza y ánimos de sanación. Mientras “Fugir” -canción en portugués lanzada el año pasado- y la recién estrenada «When«, representan un pedido de fuerza y de coraje para dar un paso doloroso y necesario, “La primavera del desencanto”, por su parte, cuestiona los valores de competencia y de egoísmo que nos han enseñado históricamente y sobre los cuales solemos construir cadenas de frustraciones y daños: “La primavera del desencanto es el momento en el cual percibimos la vulnerabilidad de nuestras construcciones y miramos a nuestro alrededor. Es doloroso pero también es una oportunidad para sanar y transformar”, afirma Magalí sobre el reciente sencillo.

Con una estética cinematográfica y transitando entre la balada, la bossa nova y la canción de autor con guiños al tango y la rumba, la trilogía de canciones es dueña de un concepto fuerte y existencialista que se ve reflejado también en sus acompañamientos audiovisuales. Muy acorde a los tiempos que corren -y solo faltando el clip de «When«, a estrenarse durante el mes de agosto-, los videos de los tres singles fueron realizados por la artista en su propia casa y están atravesados por las preguntas que la invaden constantemente.

Respecto al clip de “Fugir”, donde una persona habitada por el otoño añora la primavera, la compositora explica:

Las imágenes de archivo envuelven a este personaje, evocando una historia de amor donde los caminos se bifurcan. Así, decide pedirle ayuda a la niña que fue, a su capacidad regenerativa y su habilidad para abrir horizontes. Fugir habla de una despedida necesaria, donde el fin es también el inicio. Es una oda a los ciclos naturales. Musicalmente, la intención fue acariciar al oyente durante la incertidumbre de una transición. Tanto la guitarra como las cuerdas hacen de guías alumbrando un nuevo rumbo”.

Para referirse al clip de “La primavera del desencanto”, en el que las imágenes de archivo se convierten en una especie de bucle temporal tragicómico, Magalí comenta:

Me preguntaba el origen de la noción de ‘desperdiciar el tiempo’, ‘saber usar cada minuto’, del temor a no rendir, así como la presión de ser ‘mejores en algo’. Esta compulsión por producir, recibir aceptación, y ‘no distraernos’ del camino la percibo como un viaje de ida capaz de adormecer el registro de lo que nos rodea. Es un viaje difícil de detener, en el cual me veo por momentos sumergida. En el video busqué transitar estas preguntas desde la experiencia de alguien que se encuentra en un tren sin paradas y decide descender. Es una situación que podría estar ocurriendo ayer o 150 años atrás. Luego de ser atravesada por imágenes que exponen las consecuencias socio-ambientales de la alienación, la puesta en escena se desarma, el artificio es develado y el desencanto florece”.

 

Más sobre Magalí Cibrián

Proveniente de una familia de artistas, Magali Cibrián es música, compositora y artista audiovisual. En 2018 lanzó su primer disco, La hora azul, obra que incorpora elementos teatrales, cinematográficos y oníricos. Si bien prefiere evitar las referencias, reconoce que los boleros, tangos y coplas escuchadas por sus abuelos, así como también Kate Bush, Cartola, Björk, Spinetta, Pink Floyd, y una infancia sumergida entre Disney y María Elena Walsh, han dejado huella en su imaginario artístico. Actualmente se encuentra presentando la trilogía de canciones adelanto de su segundo trabajo discográfico y escribiendo un proyecto audiovisual.

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Joy Squad – Koreless / Por Loreto Ríos Montecinos

Loreto Ríos Montecinos es música, compositora y baterista del destacado dúo chileno de música electrónica Mono o Estéreo?.

En plena promoción de Clicses, disco de remezclas de canciones pertenecientes a su álbum debut Clics (2017), Loreto nos recomendó el temazo que tiene en el cuerpo hoy. 

Se trata de Joy Squad, del productor británico Koreless, uno de los artistas de música electrónica más prometedores del momento. El single fue el primer adelanto de su primer trabajo discográfico, Agorlanzado oficialmente el 9 de julio de 2021.

– ¿Por qué Joy Squad?
Lo elegí porque lo había estado buscando hace tiempo y no podía encontrarlo por ninguna parte y este fin de semana llegué a él de nuevo. Me encanta el misterio que tiene la entrada de la canción, el trabajo de sampler de voz femenina presentada de una forma muy rítmica, y los cambios de pitch que ayudan un montón en la narración, a mi parecer.

– ¿Cuál es tu historia con esta canción y/o con Koreless?
El año 2019 estuve con Mono o Estéreo de gira por Europa por una invitación que nos hicieron desde el Festival BIME, en la ciudad de Bilbao, España. Tuve la oportunidad de ver a muchos artistas increíbles, como Kraftwerk, Róisín Murphy, Floating Points, entre otros, y en el escenario de electrónica cerraba la noche Daphni, músico y productor que yo conocía desde su proyecto Caribou. Su DJ set simplemente me voló la cabeza. Lo pasamos increíble, creo que fue un momento de felicidad máxima en ese viaje y además es donde conocí esta canción. 

– Si a alguien le gustó esta canción y quiere escuchar algo acorde, ¿qué 2 o 3 otros temas le recomendarías?
Ya que estoy rememorando aquella noche y ese viaje, yo recomendaría:
Only Human, de Four Tet
Sizzling, de Daphni
Azo Toke, de KOKOKO!
Canciones diferentes entre sí, pero que seguro te paras a bailar.

 – ¿En qué hoy, andas creativamente hablando?
Está bastante movido mi segundo semestre 2021 en lo creativo. Estoy en proceso de grabación del segundo álbum de Mono o Estéreo?, Claps, aportando desde la percusión y la batería. También estamos colaborando en un remix para Animales de Costumbres, de su último álbum, Cosmovisión. Y, desde mis trabajos como compositora en colaboración con otras disciplinas del arte, debo crear la música para una obra de teatro de sombras  titulada Esqueleto, de la compañía de teatro CALACALOCA. El otro proyecto es un documental interactivo de disidencias que están dentro del territorio rural de Chile, ambos proyectos financiados por los Fondos de Cultura, así que muy entretenido.

Clicses, lo nuevo de Mono o Estéreo?

Conformado por José Toro y Loreto Ríos Montecinos, Mono o Estéreo? ha cultivado elogios desde el comienzo. 

Transitando entre el pop y la electrónica experimental, las canciones instrumentales de corte introspectivo y bailable que contiene su álbum debut Clics (2017) los posicionaron rápidamente como uno de los proyectos más originales y refrescantes de la música chilena.

A cuatro años de ese aplaudido primer disco, MoE?, con apoyo del sello Pueblo Nuevo, presentó Clicses, disco que incluye remezclas de canciones pertenecientes a Clics realizadas por artistas como René Roco, Animales de Costumbres, Mika Martini, Usted No!, entre otrxs. En palabras del comunicado de prensa, «el álbum pone en escena a una fracción de artistas electrónicxs convocados en base a una curatoría que opera en la extrapolación de lecturas a la música de Mono o Estéreo?, ofreciendo un mapa sonoro local donde prima experimentación y libertad creativa».

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Lágrima o Alienado

A comienzos de este 2021, tuvimos la alegría de acompañar al dúo Lágrima o Alienado en el lanzamiento de Lo que quería era, vibrante nuevo sencillo y primer adelanto de su segundo disco de estudio.

Si bien han pasado tres años desde la salida de su álbum debut La caída de las paredes (2017), el proyecto compuesto por los saladillenses Laura Mastantuono aka Sharon B3– y Juan Pablo Ojeda aka 1pm4uj 4d3j0– se encuentra lejos de haber estado en una pausa. Con dos singles presentados en versiones en vivo (“Sumergida” y “Máquinas de Tiempo”) y varios conciertos realizados en diferentes espacios culturales de La Plata entre 2018 y 2020, Lágrima o Alienado se mantiene vigente y fresco gracias al trabajo diario y la exploración constante, factores que han ayudado a preservar y activar cada vez más la esencia del dúo: el juego, la libertad y la expansión.

Lo que quería era” -primer single del inminente nuevo LP e inicio de una renovada etapa creativa para la dupla- nació en medio de una sesión de improvisación que se desató luego de un viaje a la Patagonia durante el verano del 2020. Grabada entre su home-studio en La Plata y los Estudios ION de Capital Federal, la nueva canción de LOA cuenta con influencias directas de los dúos The Dø y Cocorosie, pero también se oyen guiños a Sara Hebe, al glorioso y detallista pop de Violeta Castillo o a los ágiles fraseos de la chilena Dadalú. Una mezcla en la que convive lo sintético y glittero del electropop con una letra que llama a frenar un segundo para valorar lo esencial, lo natural. Una invitación clara a bailar y a no olvidarse nunca de lo poderoso del presente y del juego: “La canción transcurre en dos escenarios: la vorágine de la rueda y la enseñanza de la naturaleza que en todo su esplendor nos recuerda que todo es un juego y que respirar profundo y conectar con lo que nos rodea, es la clave”, comenta Sharon B3.

El más reciente material de Lágrima o Alienado fue masterizado por Ariel Schlichter y lanzado junto a un videoclip grabado durante la cuarentena: “El video lo filmamos en dos largas noches en las que no dormíamos, solo filmábamos y probábamos cosas que nos resultaban plásticamente interesantes”, recuerda 1pm4uj 4d3j0, y agrega Sharon B3: “Queríamos transmitir la libertad de jugar  y la única forma de que eso fuera genuino era jugando de verdad. Nos divertimos muchísimo y le echamos luz a un momento difícil de atravesar como humanidad”.

Acá te compartimos algunas de las notas que hicieron eco de Lo que quería era:

«Degradé», el debut solista de Gabriel Luch

Continuando con la estética retro que cultivó en su proyecto anterior, Vicerboy, el músico platense Gabriel Luch presentó Degradé, primer sencillo del que será su álbum debut como solista.

Con la participación de los músicos Mariano Sosa (Peces Raros) y Lucho Poggi (Telepatina), la primera entrega del ex integrante de Peces Raros abre las puertas a un universo electropop en el que se destacan las influencias del pop francés de L’imperatrice y los brillantes guiños a la música de los años ochenta, con sintetizadores envolventes y arreglos de guitarra que llevan a la canción hacia “un frenesí bailable“, como bien afirma el comunicado de prensa.

Lanzado junto a un videoclip realizado por Lu Moscato, Camila Herrera, Victoria Campos e Isabella Selmo que tiene como protagonistas a Nicolás Conte y Micaela Stirparo, Degradé además cuenta con arreglos sinfónicos que completan la ecuación pop y que dan una pista sobre la estética y el groove que atravesará el primer disco del músico y compositor.

Para más novedades, sigue a Gabriel acá.

Avant qu’il n’y ait le monde – Feu Chatterton / Por Agathe Cipres

Desde el verano francés, la música y compositora Agathe Cipres nos cuenta cuál es el temazo que tiene dando vueltas hoy. Se trata de Avant qu’il n’y ait le monde, de Feu Chatterton, banda formada en París en 2011.

Sobre esta elección y sobre el presente creativo que la tiene presentando el aplaudido y recién estrenado EP LOS LÍMITES y una sesión en vivo realizada junto a la productora argentina Nicoletta Films, acá te contamos más:

– ¿Por qué Avant qu’il n’y ait le monde?
Porque es una banda francesa que me acompaña siempre y que me gustaría que todo el mundo conozca. La canción, y ese disco en particular, me encanta porque habla del mundo, caótico, ilógico, loco. Es político pero sin dejar la poesía y eso me parece impresionante. Esta canción en particular es una traducción al francés de un poema de William Butler Yeats, las otras son letras originales.

– ¿Cuál es tu historia con esta banda?
Conocí esta banda cuando lanzaron su primer disco y me enamoré instantáneamente: ¡era tan especial! Hacen una fusión de canción francesa medio tradicional, poesía cantada, con rock, pop, y electro. Las letras son hermosas y las canciones son siempre una sorpresa.
Hace varios años los vi en vivo con una amiga en un squat, que es como un lugar tomado, en París y fue increíble. Tocan todos bárbaro y el cantante/letrista es muy personaje.

– Si a alguien le gustó esta canción y quieren escuchar algo acorde, ¿qué 2 o 3 otros temas le recomendarías?
Recomendaría escuchar lo último de Yseult y el disco Contre-temps de Flavien Berger, que es único y perfecto de principio a fin.

– ¿En qué hoy, andas creativamente hablando? 
Hoy estoy haciendo de a poco nuevas canciones, escribiendo a la deriva, tratando de buscar nuevas formas en la escritura, nuevos juegos.

Las buenas nuevas de Agathe Cipres

Luego de presentar LOS LÍMITES, su más reciente EP producido por Candela Cibrián y lanzado a fines de abril de este año, Agathe Cipres -artista francesa radicada en Buenos Aires desde 2010- estrenó una sesión en vivo de la canción “Presa.

Realizada por Nicoletta Films y filmada en Polo Saldías con una estética oscura e intrigante, la nueva entrega de «Presa» refleja y eleva el universo onírico y art-pop que Agathe presentó en su último trabajo discográfico. Además, en el registro se nos revela la nueva formación del proyecto: Candela Cibrián en sintetizadores, Andrés Conte-Grand en batería, y Agathe en trompeta y voz.

Mira la sesión acá y sigue a Agathe Cipres en sus redes sociales.